Bendito Black Sabbath

Han pasado algunos días desde que Ozzy y la alineación (casi) original de Black Sabbath pasaran por nuestras tierras y aún sigo pensando en aquello.
"Son los papis, son los papis" decía un agitado fanático a mi lado esa noche. Probablemente ese pensamiento, de que son los "padres del metal", era compartido por casi todas las 50 mil personas que esa noche llegaron al Monumental.
Es por eso, que fue inevitable preguntarme ¿por qué Sabbath tiene esa etiqueta de "padres"? ¿qué hicieron?
Mientras buscaba la explicación al verlos tocar, la guitarra de Tony Iommy amenazó varias veces con derrumbar el estadio, aquellos riffs parecían sacados del mismísimo infierno.
Y claro, una respuesta simple puede ser: "lo hicieron antes que todos", o sea, sólo ser el primero les da la categoría. Puede ser, pero sería muy simplón.
Aquella noche de metal me convencí de que Black Sabbath en su momento fue tremendamente original. En sus inicios, los riffs eran como los de Led Zeppelin  pero con  otro color, con otra tonalidad. Una ola oscura acompañada de riffs, cambios de tempo y cortes Zepelianos terminaron por abrir otra vertiente de rock duro. Extrapolaron el hard rock y abrieron el metal. Sabbath miró a los Zeppelin, los imitó e hizo una reinvención. Riffs duros, pero no bailables, sino que infernales. Y vaya que sabe Iommy de aquello.
Aunque es probable que ambos se hayan mirado en paralelo con disimulo y respeto.
Y así es como se crean los géneros de rock. Tomas algo de acá, otras cosas de otro lado y lo metes en la liquadora. El grunge tomó riffs punks, acordes folk y melodías pop e hizo un género. Sin duda, a eso súmele el estilo propio ligado a la pinta: en los Sabbath la vestimenta negra y las cruces y obtiene el género completo.
Además, desde su homónimo disco debut (1970) hasta 13 (2013) han sido consecuentes con variaciones musicales y sonoras más o menos en línea. Tremendo esfuerzo, si se toma en cuenta los constantes movimientos de músicos que tuvo Sabbath desde el despido de Ozzy en 1979.

De esta forma, no queda duda que los creadores de Paranoid tienen el respeto que se merecen por haber contribuido buena parte a la historia del rock.

Adiós Jeff

La noticia sobre la muerte de Jeff Hanneman entristece. Entristece porque más allá de las providenciales circunstancias en las que el destino te topa con la picadura de una araña que te deriva en necrosis para luego terminar con fallas hepáticas, Jeff fue uno de los buenos en el género. Supo mezclar dos cosas que lo llevaron al umbral del metal: riffs demoníacos con dosis de pop.

Espero no me quemen los metaleros más ortodoxos. Ahora explico mi teoría.

Los riffs de Reing in Blood o Angel of Death o War Ensemble tienen esa sonoridad tan oscura que te sientes habitando en el mismísimo infierno pero a la vez te suenan agradables al oído. A eso me refiero con “dosis de pop”. O sea dentro de la disonancia que usaba en sus escalas eran resueltas de manera común. No era ese metal inaudible que puedes encontrar en tierras europeas y que juegan a ser extremos en dureza o en pose. Era terrible, pero a la vez hermoso.

Angel of Death es parte del legado dejado en este mundo (y quizá en el otro) por el rubio guitarrista. Canción que creó luego de leer sobre Josef Mengele, médico nazi que experimentó con detenidos en Auschwitz y que fue bautizado como el ángel de la muerte. La canción es una patada en la cara a todas las bandas metal del planeta que creen tocar rápido. Pero no sólo por la velocidad que es ejecutada, sino por el contenido histórico de la misma.

Anterior a la partida de Hanneman, Slayer tuvo que enfrentar la salida (nueva salida) de Dave Lombardo, su batería insigne y original, por motivos contractuales y económicos, lo que deja a la banda ahora sólo con dos miembros de la época inicial.

Imagino a Slayer este 2 de octubre en Chile (de no cancelar la fecha) haciendo un concierto dedicado en la memoria de su guitarra fundador. Descansa en paz Jeff.

Sobre el lineup y el tratamiento de la prensa a Lollapalooza 2013

Es cierto, si no vas a un concierto o festival no tienes cara para opinar. Pero también es cierto que puedo dar mis humildes ideas sobre el lineup y sobre la cobertura que recibió el mega festival Lollapalooza.

Probablemente quien lea dira: “dijo el picado”, pero creo tener algunos shows en el cuerpo como para decir que no estoy picado por no haber ido a esta versión del festival dado principalmente a que ninguna banda me pareció realmente excitante.

Leí en reiterados medios que Pearl Jam era la cabeza de cartel del show en general lo cual me produjo tirria, basicamente porque la tibieza de su último show en el estadio Monumental me llevó a creer que PJ nunca más produciría expectación en nadie. Quiero argumentar sobre esto. El show del 2011 me pareció el mejor ejemplo de un show predecible y lánguido. Las típicas frases populistas en español, los covers de siempre y el “esperado” cierre de Yellow ledbetter son hace varios años lo mismo de siempre. Totalmente fuera de foco si pensamos que el grunge (imagino que la banda aún sigue siéndolo) tiene sus cimientos en el punk rock y la naturalidad y espontaneidad que este género ofrece. No me imagino ni a Nirvana ni a Alice in Chains (con Layne obvio) haciendo un show estudiado y prefabricado.

En aquel entonces recuerdo haber dicho no volver a pagar por ver a los oriundos de Seattle.

En ese sentido, el cabeza de cartel me parecía mal configurado. Tanto por los medios como por la productora, motivo por el cual no me tincó ser público de este festival.

Por otro lado, no puedo esconder mi rabia por lo poco que mencionaron a A Perfect Circle banda que sin lugar a dudas era novedosa, no sólo por su primera venida a Chile, sino también por su originalidad e innovación en la historia del rock. Claro Lollapalooza no es Maquinaria y no me cabe duda que si A Perfect Circle hubiese sido parte del lineup de Maquinaria habrían sido, si no cabeza de cartel, muy cercano a aquello. En TVN por ejemplo la presentadora de noticias dominical dice: “para hoy, entre los más esperado están los shows de Black Keys y Franz Ferdinand”… me recogí del suelo y apagué la tele luego de oír eso sabiendo que APC tocaba ese mismo día.

Era que no, los números del festival fueron azules y la gente salió conforme, incluso trascendió en la prensa escrita que  para el próximo año el show será de tres días. Obvio ya que demostrado está que el chileno paga –y harto- por ver música en vivo.  

No despotrico contra los mega festivales, ya que siempre será potente para quienes amamos la música en vivo tener este tipo de shows en este rincón del mundo, sólo creo que la configuración del lineup pudo ser mejor (con los mismos artistas) y el tratamiento de la prensa para con algunas bandas debió estar a la altura.

¿De qué va la escena musical chilena?

Cuesta definir el movimiento musical chileno actual como un todo. Probablemente eso pase en todos los países. No me cabe duda que Inglaterra es más que los Artic Monkeys o que en Argentina se cuecen otras habas distintas a Soda Stereo. Pero al menos en ambos casos la identidad se conoce rápido.

No me trago (y nunca lo he hecho la verdad, ni cuando sacaron discos grandiosos como Fome o Unplugged MTV) que Los Tres sea todo (o lo mejor) de lo que se trata el rock chileno, pese a que probablemente sean los más cercanos, más basado por su gran capacidad musical que les permite tocar lo que se les pase por la cabeza.

Tampoco creo que Los Prisioneros cumplan con el título de mejor representante musical de estas tierras. Pese a que creo fueron grandiosos, ellos responden a un contexto muy particular de Chile. Pudieron haber musicalizado sus letras con rap e igual la gente los habría esuchado y respetado.

Menos aún, que la actualidad esté basada en Los Bunkers (que tienen todo mi respeto) o la hermosa Fran Valenzuela (que tiene todo mi respeto y admiración) o Chinoy (que tiene algo de mi respeto). Y mi argumento es simple: Santiago tiene una escena under demasiado grande. Lugares como el Bar Uno o casi entera la comuna de San Bernardo son ejemplos de lo que digo.

Como músico de cantina, me he topado con infinidad de bandas de todo estilo. Algunas me han dejado indiferente, otras en cambio, me han dejado pegado sus melodías por semanas.

Incluso si me apreta un poco, le puedo decir que ni los Hielo Negro representan la escena actual. Claro si me quiere apretar más y preguntarme de qué va la escena musical chilena creo no tener la respuesta tan clara. Sé que Concepción y Valparaíso han aportado mucho a tener algún tipo de identidad. Así lo nuestro debiese sonar acústico y punk a la vez. Por otro lado, sin duda la gran Violeta Parra puso la primera piedra y contribuyó a una edificación inconclusa. Además creo que Santiago ha hecho todo lo contrario a Conce y Valpo. Ha contribuido a perder y confundir el camino. Esta aseveración la baso principalmente en el masivo apoyo que hay a:

1.- Bandas tributos

2.- Los mismos músicos de siempre

Del punto 1 qué puedo decir conservando el respeto que me caracteriza. Jamás he podido entender el arte como un medio encapsulado en donde se te restringen las ideas por respeto a alguien que las tuvo antes que tú. Es algo parecido al argumento ad verecundiam, o sea lo respetamos sólo porque lo dijo una autoridad en la materia (Slash, Keith Richards y Richie Sambora sin duda son autoridades en la materia, mas no creo en tocar lo suyo como si fuera mío). Pero al menos tengo fe en que este fenómeno esté por finalizar (quizá 10 años más) ya que las grandes bandas cada vez se interesan más por el cono sur de América, entonces en lugar de ir a ver al tributo, mejor vas a ver al original.

El punto 2 es simple. Cada festival musical grande como el Día de la Música o algo organizado por la SCD lleva entre sus filas a Denise Malebrán, Quique Neira, Chancho en Piedra etc. Dejando poco espacio para las nuevas generaciones.

En la escena santiaguina  algo se está cociendo. Quizá a fuego demasiado lento, pero algo se coce.

Lo peor del rock

Todo el mundo tiene el derecho a equivocarse, de eso no cabe duda. Y probablemente las estrellas de rock cuenten con esa premisa elevada a dos, si son ellos quienes musicalizan nuestras vidas con sus tonadas.

No obstante, no podemos hacernos los locos cuando grandes bandas hacen pésimos discos.

En esta columna los 10 peores discos de la historia del rock según Rockeros.cl

10.- spaghetti Incident? Es un disco de versiones, pero está muy por debajo de lo hecho por los Guns anteriormente. Es plano y sin brillo. Aún así tiene cortes memorables como Aint It Fun, Hair of the Dog o Since I Dont Have You.

9.- Crush, Bon Jovi: Empieza como avión, con el sonido Talk Box de Richie Sambora, en Its My Life, pero ya en el segundo corte el avión se va en picada. Es probablemente el álbum definitivo rock pop de Bon Jovi, pero no se encuentra en esta lista precisamente por eso, sino porque el disco resulta tedioso como él sólo.  

8.- If not now, when?, Incubus: Siempre es bienvenida la creatividad musical, pero la banda californiana tomó un rumbo musical muy opaco. Parece la banda sonora de alguna película de amor protagonizada por Ben Stiller. Tanto talento desperdiciado.

7.- Music from the Elder, Kiss: Una pena pero hay que reconocerlo, el disco es pésimo. No prende en ningún momento de los casi 45 minutos de duración. Tanto así que el disco ni siquiera tuvo gira de apoyo, salvo presentaciones en TV. Subieron su nivel eso sí al año siguiente con el álbum Creatures of the Night.

6.- Risk, Megadeth: Cuenta la leyenda que Lars Ulrich dijo alguna vez en una conferencia de prensa que Mustaine debía tomar más riesgos en su música y este último le respondió con un disco. Lamentablemente el Riesgo no fue nada bueno. El sonido de las guitarras suena tan procesado que hasta el día de hoy dudo de si son en realidad guitarras lo que suenan.

5.- Diorama, Silverchair: Luego de un par de años fuera de la escena musical los australianos lanzaron este disco (2002). Parecido a lo de Incubus donde luego de cortar cabezas con riffs demoledores cambian el rumbo a un pop rock muy meloso. Un disco tremendamente plano y derechamente bajo. Lo penoso es que 5 años después parece que no aprendieron la lección ya que Young Modern (2007) es casi tan malo como este.

4.- Gold cobra, Limp Bizkit: Los riffs de guitarra parecen sacados del infierno, pero un disco no puede sostenerse sólo en eso. Los fraseos de Fred Durst suenan torpes, así como los forzados cambios de tempo. Los samples de disparos, muy al estilo Snoop Dog, son de otros tiempos Fred. Al igual que sus colegas de Korn la caída libre es incuestionable.

3.- Born Villain, Marilyn Manson: De este año. En este estilo todo procesamiento en las guitarras o bajos es bien recibido, pero las líneas melódicas o las secuencias en los riffs suenan ingenuas y novatas. Además los cortes son muy anticipados dejando toda posibilidad de digerir los temas.La voz de Manson eso sí, sigue tal cual.

2.- Lulu, Metallica con Lou Reed: ¿Qué pasó aquí? Notable ejemplo para ilustrar que juntar dos íconos musicales no siempre es buena idea. Un tropiezo en la carrera de ambos. Mientras Lou Reed recita Los Metallica cabecean.

1.- Path of Totality,Korn: Nauseabundo. Jonathan Davis probablemente crea que por haber hecho clásicos del agro metal como Blind o A.D.I.D.A.S., o haber influenciado a una camada de rockeros posteriores puede grabar lo que se le cruce por la cabeza. En una entrevista a Pulseoftheradio dijo “la escencia de Korn está intacta”. Ni en tus mejores sueños Jon, Korn está lejos de ser lo que fue a finales de los 90. Lo peor de todo es que el disco que antecede a este, Korn III Remember Who You Are, es igual de malo.

Le pido disculpas a los lectores no haber podido escuchar el disco entero pero me enfermé de la guata con este disco. En serio.

Los mejores cantantes de rock

El rock and roll no sólo ha entregado buenos riffs y solos de guitarra alocados, también ha ofrecido voces hermosas. Aunque claro, en este aspecto el adjetivo “hermoso” puede caer en un tipo amplio de subjetividad que está determinado por el oyente. Pero en Rockeros la tenemos clara.

Por eso confeccionamos esta lista de 10 voces de otro nivel.

 Muchas veces el cantante puede no ser tan prodigioso pero tener un carisma y una actitud única que lo hace estar en las grandes listas. Por ejemplo Kurt Cobain era un gritón y muchas veces en vivo se salió del tono, pero es el número 45 de la lista de 100 mejores voces de la Rolling Stone y la verdad yo lo habría puesto más cerca de los primeros lugares.

¡Esta vez en nuestra lista el orden SÍ importa!

10.- Axl Rose, Guns and Roses: La voz de Axl puede transitar entre el tono dulce de una balada y luego transformarse en un infierno. En ambos estilos es tremendo. Lo delicada de la voz en Patience parece ser de otra persona en comparación a lo agresivo de Its so easy.

Escucha esencial: “Dont Cry”, “Welcome to the Jungle”.

9.- Jim Morrison, The Doors: Su voz es un huracán de emociones. Reinventó el blues americano y lo llevó en una dirección cósmica con su voz y sus poesías. Un genio.

Escucha esencial: “L.A. Woman”, “Light my fire".

8.- Janis Joplin: Puedes escucharla y creer que es una mujer negra y de edad, Pero no. Le imprimía una pasión y un desgarro a sus melodías que 40 años después sigue poniéndote los pelos de punta.

Escucha esencial: “Piece of my hart”.

7.- Bruce Dickinson, Iron Maiden: Tiene la capacidad de cantar y mantener el tono aún cuando corre y salta por todo el escenario. Y vale decir que no mantiene tonos cómodos, sino los agudos en el clímax de determinada canción. Tanto Verlo en vivo como oír las grabaciones, es realmente grato.

Escucha esencial: “Fear of the Dark”.

6.- Laney Staley, Alice in Chains: El vibrato de Laney rompe esquemas. Su color de voz es oscuro y provocador. Staley es de esos cantantes que cuando canta sobre la soledad su voz te transmite aquella sensación y puedes sentir la soledad. Un talento oscuro.

Escucha esencial: “I am inside”, “Down in a hole”.

5.- Elvis Presley: Puedes creer que Elvis es  El Rey del rock o puedes no creerlo (Yo me quedo con la segunda opción), lo que no puedes hacer es cuestionar el talento vocal de uno de los primeros blancos en hacer Rock and roll y masificarlo para el mundo. Su tono bajo es inconfundible y conmovedor.

Escucha esencial: “Hound dog”, “Cant help falling in love”.

4.- Chris Cornell, Soundgarden: El año pasado vino a Chile en el contexto del festival Maquinaria y se paró frente a 40 mil personas sólo con una guitarra acústica y su voz. Los cautivo a todos. Creo que incluso podía haberse parado sólo con su voz y aún seguía siendo increíblemente bueno.

Escucha esencial: “Black hole sun”, “The day i tried to live", “Blow up the outside world”.

3.- Mike Patton, Faith no More: En su diversidad de estilos tan bien realizados ha demostrado que puede gritar, ladrar, aullar o cantar una balada y no salirse del tono y de la canción. Es de esos artistas que te preguntas ¿cómo no murió a los 27 años?

Escucha esencial: “Evidence”, “Last cup of sorrow”, “Ashes to ashes”.

2.- Freddy Mercury, Queen: Sus cuatro octavas de tesitura vocal sumadas a su increíble actitud de frontman lo transformaron en uno de los vocalistas más prodigiosos en la historia del rock. Impresionante.

Escucha esencial: “Bohemian Rhapsody”, “Play the game”.

1.- Robert Plant, Led Zeppelin: Influenció a muchísimos rockeros posteriores con su estilo tan femenino como masculino a la vez. En su adolescencia estaba obsesionado con el blues americano lo cual traspasó de gran manera en los Zeppelin. Sus tonos agudos tienen un desgarro tremendamente único y admirado. Es muy probable que 100 años después sus alaridos afinados sigan influenciando a las nuevas generaciones. Escucharlo es un viaje interestelar.

Escucha esencial: “Dazed and confused”, “Babe Im gonna leave you”.

Los 20 mejores solos de guitarra de la historia

Siguiendo la línea de la publicación anterior, esta semana nos aventuramos a entregar los 20 mejores solos de guitarra que el rock nos ha entregado.

Dentro de los criterios usados están por ejemplo, creatividad, sonido, y actitud.

Dicho esto, nos hacemos responsables del listado por lo que si gusta puede mandarnos al diablo con facilidad. Recuerden que el orden es aleatorio:

1.- Beat it, Michael Jackson. Guitarrista: Eddie Van Halen: Solo desenfrenado y lleno de talento. Es probable que la cara de Michael comenzara a desfigurarse luego de oír este solo. Tremendo.

2.- Little Wing, Jimi Hendrix:  Precioso. Hendrix antes de los setentas te dejaba claro como se hacía un solo lleno de sentimiento en una balada.

3.- November rain, Guns and Roses. Guitarrista: Slash: Suave y melodioso al comienzo, rápido y ligado después. Slash es bueno para hacer melodías incluso cuando acelera el pulso.

4.- Heartbreaker, Led Zeppelin, Guitarrista: Jimy Page: Pasado el minuto 2:02 comienza el solo a capella. Aunque con algunos errores en la digitación es un derechazo en la quijada. Cuando vuelve la banda a sonar, es más explosivo aún.

5.- Hotel California, The Eagles, Guitarristas Don Felder, Joe Walsh: Con una base instrumental acústica, el solo eléctrico se realza como la luz en el túnel. Los bendings o estiramiento de cuerdas te calan los huesos.

6.- Bulls on parade, Rage Against the Machine, Guitarrista: Tom Morello: ¿En serio es una guitarra lo suena? Bueno aquí apelamos al criterio de originalidad. Una patada en la entrepierna a quienes ven la guitarra solo como un trozo de madera con cuerdas. ¿De eso se trata el rock o no?

7.- Hold the line, Toto, Guitarrista: Steve Lukather: En la grabación de estudio el volumen del riff queda por encima del solo opacándolo un poco, pero sin duda el momento del solo es el clímax de la canción.

8.- Money, Pink Floyd, Guitarrista: David Gilmore: Al momento del solo, el tema cambia de su 7/4 original a 4/4 lo cual le entrega un dinamismo notable. Como si nada luego el tema vuelve al 7/4. Un solo muy musical y elegante.

9.- Girls, Girls, Girls, Motley Crue, Guitarrista: Mick Mars: Este solo huele a cigarrillos, wiskey y noche. Aquí Mick demuestra que en las 6 cuerdas no era cualquier guitarrista.

10.- Bohemian Rhapsody, Queen, Guitarrista: Brian May: La parte del solo es totalmente melodiosa pero no por eso menos rockera. Hace de puente entre la parte de balada y la de ópera. Un tremendo solo que traspasa toda frontera musical. El guitarrista afirmó que quiso “componer una pequeña melodía que haga de contraparte a la principal”.

11.- Trust, Megadeth, Guitarrista: Marty Friedman: el solo sucede una parte instrumental bellísima y levanta la canción hasta la estratósfera. Así deberían ser todos los solos.

12.- Paradise City, Guns and Roses, Guitarrista: Slash: A pesar de que el tempo de esta canción en un momento se acelera, Slash sigue tirando frases bluseras hasta el final. Es como un B.B. King con una sobre dosis de anfetas. Sigo preguntándome cómo lo hace.

13.- Cult of personality, Living Color. Guitarrista: Vernom Reid: Vernom Reid, estudió guitarra con profesores jazzeros y eso se nota. Aquí se mueve libre por el mástil dejándote boquiabierto tanto por el sonido como por la elección de las notas.

14.- Crazy Train, Ozzy Osburne, Guitarrista: Randy Rhoads: Tanto en la versión de Randy como en la de Zack Wylde, parece un vendaval. Es probable que este sea el origen del Big Bang.

15.- One, Metallica, Guitarrista: Kirk Hammett: La canción está llena de partes de guitarra muy bien logradas y el solo final es una explosión. La limpieza de los tapping y bendings llama la atención.

16.- Whole Lotta Rosie, AC/DC, Guitarrista: Angus Young: Una canción sexual debe tener un solo orgásmico y este es un buen ejemplo. Angus traspasa la escala pentatónica  con estiramientos de cuerdas sacados del mismísimo infierno. Uno de mis solos favoritos.

17.- In Bloom, Nirvana, Guitarrista: Kurt Cobain: Probablemente esta no se encuentre en otra lista, pero representa bien lo que era Kurt. Un solo de guitarra ruidoso, oscuro y triste. Perfecto para la canción.

18.- Cemetary gates, Pantera, Guitarrista: Dimebag Darrell: El solo central entra como un gatito delicado y cuando el tempo se acelera se transforma en un tigre dientes de sable. El solo de salida tiene la dinámica de pregunta – respuesta con la voz, alcanzando un tono astronáutico.

19.- Johnny B Goode, Chuck Berry: La canción fue grabada en 1958 pero sigue fresquita. Todo el rock y los solos posteriores debiesen agradecer al bueno de Chuck. Pura fiesta en las seis cuerdas.

20.- Red House, Jimi Hendrix: La guitarra parece llorar. Nosotros también. Jimi venía de otro planeta.