Sobre el lineup y el tratamiento de la prensa a Lollapalooza 2013

Es cierto, si no vas a un concierto o festival no tienes cara para opinar. Pero también es cierto que puedo dar mis humildes ideas sobre el lineup y sobre la cobertura que recibió el mega festival Lollapalooza.

Probablemente quien lea dira: “dijo el picado”, pero creo tener algunos shows en el cuerpo como para decir que no estoy picado por no haber ido a esta versión del festival dado principalmente a que ninguna banda me pareció realmente excitante.

Leí en reiterados medios que Pearl Jam era la cabeza de cartel del show en general lo cual me produjo tirria, basicamente porque la tibieza de su último show en el estadio Monumental me llevó a creer que PJ nunca más produciría expectación en nadie. Quiero argumentar sobre esto. El show del 2011 me pareció el mejor ejemplo de un show predecible y lánguido. Las típicas frases populistas en español, los covers de siempre y el “esperado” cierre de Yellow ledbetter son hace varios años lo mismo de siempre. Totalmente fuera de foco si pensamos que el grunge (imagino que la banda aún sigue siéndolo) tiene sus cimientos en el punk rock y la naturalidad y espontaneidad que este género ofrece. No me imagino ni a Nirvana ni a Alice in Chains (con Layne obvio) haciendo un show estudiado y prefabricado.

En aquel entonces recuerdo haber dicho no volver a pagar por ver a los oriundos de Seattle.

En ese sentido, el cabeza de cartel me parecía mal configurado. Tanto por los medios como por la productora, motivo por el cual no me tincó ser público de este festival.

Por otro lado, no puedo esconder mi rabia por lo poco que mencionaron a A Perfect Circle banda que sin lugar a dudas era novedosa, no sólo por su primera venida a Chile, sino también por su originalidad e innovación en la historia del rock. Claro Lollapalooza no es Maquinaria y no me cabe duda que si A Perfect Circle hubiese sido parte del lineup de Maquinaria habrían sido, si no cabeza de cartel, muy cercano a aquello. En TVN por ejemplo la presentadora de noticias dominical dice: “para hoy, entre los más esperado están los shows de Black Keys y Franz Ferdinand”… me recogí del suelo y apagué la tele luego de oír eso sabiendo que APC tocaba ese mismo día.

Era que no, los números del festival fueron azules y la gente salió conforme, incluso trascendió en la prensa escrita que  para el próximo año el show será de tres días. Obvio ya que demostrado está que el chileno paga –y harto- por ver música en vivo.  

No despotrico contra los mega festivales, ya que siempre será potente para quienes amamos la música en vivo tener este tipo de shows en este rincón del mundo, sólo creo que la configuración del lineup pudo ser mejor (con los mismos artistas) y el tratamiento de la prensa para con algunas bandas debió estar a la altura.

¿De qué va la escena musical chilena?

Cuesta definir el movimiento musical chileno actual como un todo. Probablemente eso pase en todos los países. No me cabe duda que Inglaterra es más que los Artic Monkeys o que en Argentina se cuecen otras habas distintas a Soda Stereo. Pero al menos en ambos casos la identidad se conoce rápido.

No me trago (y nunca lo he hecho la verdad, ni cuando sacaron discos grandiosos como Fome o Unplugged MTV) que Los Tres sea todo (o lo mejor) de lo que se trata el rock chileno, pese a que probablemente sean los más cercanos, más basado por su gran capacidad musical que les permite tocar lo que se les pase por la cabeza.

Tampoco creo que Los Prisioneros cumplan con el título de mejor representante musical de estas tierras. Pese a que creo fueron grandiosos, ellos responden a un contexto muy particular de Chile. Pudieron haber musicalizado sus letras con rap e igual la gente los habría esuchado y respetado.

Menos aún, que la actualidad esté basada en Los Bunkers (que tienen todo mi respeto) o la hermosa Fran Valenzuela (que tiene todo mi respeto y admiración) o Chinoy (que tiene algo de mi respeto). Y mi argumento es simple: Santiago tiene una escena under demasiado grande. Lugares como el Bar Uno o casi entera la comuna de San Bernardo son ejemplos de lo que digo.

Como músico de cantina, me he topado con infinidad de bandas de todo estilo. Algunas me han dejado indiferente, otras en cambio, me han dejado pegado sus melodías por semanas.

Incluso si me apreta un poco, le puedo decir que ni los Hielo Negro representan la escena actual. Claro si me quiere apretar más y preguntarme de qué va la escena musical chilena creo no tener la respuesta tan clara. Sé que Concepción y Valparaíso han aportado mucho a tener algún tipo de identidad. Así lo nuestro debiese sonar acústico y punk a la vez. Por otro lado, sin duda la gran Violeta Parra puso la primera piedra y contribuyó a una edificación inconclusa. Además creo que Santiago ha hecho todo lo contrario a Conce y Valpo. Ha contribuido a perder y confundir el camino. Esta aseveración la baso principalmente en el masivo apoyo que hay a:

1.- Bandas tributos

2.- Los mismos músicos de siempre

Del punto 1 qué puedo decir conservando el respeto que me caracteriza. Jamás he podido entender el arte como un medio encapsulado en donde se te restringen las ideas por respeto a alguien que las tuvo antes que tú. Es algo parecido al argumento ad verecundiam, o sea lo respetamos sólo porque lo dijo una autoridad en la materia (Slash, Keith Richards y Richie Sambora sin duda son autoridades en la materia, mas no creo en tocar lo suyo como si fuera mío). Pero al menos tengo fe en que este fenómeno esté por finalizar (quizá 10 años más) ya que las grandes bandas cada vez se interesan más por el cono sur de América, entonces en lugar de ir a ver al tributo, mejor vas a ver al original.

El punto 2 es simple. Cada festival musical grande como el Día de la Música o algo organizado por la SCD lleva entre sus filas a Denise Malebrán, Quique Neira, Chancho en Piedra etc. Dejando poco espacio para las nuevas generaciones.

En la escena santiaguina  algo se está cociendo. Quizá a fuego demasiado lento, pero algo se coce.

Lo peor del rock

Todo el mundo tiene el derecho a equivocarse, de eso no cabe duda. Y probablemente las estrellas de rock cuenten con esa premisa elevada a dos, si son ellos quienes musicalizan nuestras vidas con sus tonadas.

No obstante, no podemos hacernos los locos cuando grandes bandas hacen pésimos discos.

En esta columna los 10 peores discos de la historia del rock según Rockeros.cl

10.- spaghetti Incident? Es un disco de versiones, pero está muy por debajo de lo hecho por los Guns anteriormente. Es plano y sin brillo. Aún así tiene cortes memorables como Aint It Fun, Hair of the Dog o Since I Dont Have You.

9.- Crush, Bon Jovi: Empieza como avión, con el sonido Talk Box de Richie Sambora, en Its My Life, pero ya en el segundo corte el avión se va en picada. Es probablemente el álbum definitivo rock pop de Bon Jovi, pero no se encuentra en esta lista precisamente por eso, sino porque el disco resulta tedioso como él sólo.  

8.- If not now, when?, Incubus: Siempre es bienvenida la creatividad musical, pero la banda californiana tomó un rumbo musical muy opaco. Parece la banda sonora de alguna película de amor protagonizada por Ben Stiller. Tanto talento desperdiciado.

7.- Music from the Elder, Kiss: Una pena pero hay que reconocerlo, el disco es pésimo. No prende en ningún momento de los casi 45 minutos de duración. Tanto así que el disco ni siquiera tuvo gira de apoyo, salvo presentaciones en TV. Subieron su nivel eso sí al año siguiente con el álbum Creatures of the Night.

6.- Risk, Megadeth: Cuenta la leyenda que Lars Ulrich dijo alguna vez en una conferencia de prensa que Mustaine debía tomar más riesgos en su música y este último le respondió con un disco. Lamentablemente el Riesgo no fue nada bueno. El sonido de las guitarras suena tan procesado que hasta el día de hoy dudo de si son en realidad guitarras lo que suenan.

5.- Diorama, Silverchair: Luego de un par de años fuera de la escena musical los australianos lanzaron este disco (2002). Parecido a lo de Incubus donde luego de cortar cabezas con riffs demoledores cambian el rumbo a un pop rock muy meloso. Un disco tremendamente plano y derechamente bajo. Lo penoso es que 5 años después parece que no aprendieron la lección ya que Young Modern (2007) es casi tan malo como este.

4.- Gold cobra, Limp Bizkit: Los riffs de guitarra parecen sacados del infierno, pero un disco no puede sostenerse sólo en eso. Los fraseos de Fred Durst suenan torpes, así como los forzados cambios de tempo. Los samples de disparos, muy al estilo Snoop Dog, son de otros tiempos Fred. Al igual que sus colegas de Korn la caída libre es incuestionable.

3.- Born Villain, Marilyn Manson: De este año. En este estilo todo procesamiento en las guitarras o bajos es bien recibido, pero las líneas melódicas o las secuencias en los riffs suenan ingenuas y novatas. Además los cortes son muy anticipados dejando toda posibilidad de digerir los temas.La voz de Manson eso sí, sigue tal cual.

2.- Lulu, Metallica con Lou Reed: ¿Qué pasó aquí? Notable ejemplo para ilustrar que juntar dos íconos musicales no siempre es buena idea. Un tropiezo en la carrera de ambos. Mientras Lou Reed recita Los Metallica cabecean.

1.- Path of Totality,Korn: Nauseabundo. Jonathan Davis probablemente crea que por haber hecho clásicos del agro metal como Blind o A.D.I.D.A.S., o haber influenciado a una camada de rockeros posteriores puede grabar lo que se le cruce por la cabeza. En una entrevista a Pulseoftheradio dijo “la escencia de Korn está intacta”. Ni en tus mejores sueños Jon, Korn está lejos de ser lo que fue a finales de los 90. Lo peor de todo es que el disco que antecede a este, Korn III Remember Who You Are, es igual de malo.

Le pido disculpas a los lectores no haber podido escuchar el disco entero pero me enfermé de la guata con este disco. En serio.

Los mejores cantantes de rock

El rock and roll no sólo ha entregado buenos riffs y solos de guitarra alocados, también ha ofrecido voces hermosas. Aunque claro, en este aspecto el adjetivo “hermoso” puede caer en un tipo amplio de subjetividad que está determinado por el oyente. Pero en Rockeros la tenemos clara.

Por eso confeccionamos esta lista de 10 voces de otro nivel.

 Muchas veces el cantante puede no ser tan prodigioso pero tener un carisma y una actitud única que lo hace estar en las grandes listas. Por ejemplo Kurt Cobain era un gritón y muchas veces en vivo se salió del tono, pero es el número 45 de la lista de 100 mejores voces de la Rolling Stone y la verdad yo lo habría puesto más cerca de los primeros lugares.

¡Esta vez en nuestra lista el orden SÍ importa!

10.- Axl Rose, Guns and Roses: La voz de Axl puede transitar entre el tono dulce de una balada y luego transformarse en un infierno. En ambos estilos es tremendo. Lo delicada de la voz en Patience parece ser de otra persona en comparación a lo agresivo de Its so easy.

Escucha esencial: “Dont Cry”, “Welcome to the Jungle”.

9.- Jim Morrison, The Doors: Su voz es un huracán de emociones. Reinventó el blues americano y lo llevó en una dirección cósmica con su voz y sus poesías. Un genio.

Escucha esencial: “L.A. Woman”, “Light my fire".

8.- Janis Joplin: Puedes escucharla y creer que es una mujer negra y de edad, Pero no. Le imprimía una pasión y un desgarro a sus melodías que 40 años después sigue poniéndote los pelos de punta.

Escucha esencial: “Piece of my hart”.

7.- Bruce Dickinson, Iron Maiden: Tiene la capacidad de cantar y mantener el tono aún cuando corre y salta por todo el escenario. Y vale decir que no mantiene tonos cómodos, sino los agudos en el clímax de determinada canción. Tanto Verlo en vivo como oír las grabaciones, es realmente grato.

Escucha esencial: “Fear of the Dark”.

6.- Laney Staley, Alice in Chains: El vibrato de Laney rompe esquemas. Su color de voz es oscuro y provocador. Staley es de esos cantantes que cuando canta sobre la soledad su voz te transmite aquella sensación y puedes sentir la soledad. Un talento oscuro.

Escucha esencial: “I am inside”, “Down in a hole”.

5.- Elvis Presley: Puedes creer que Elvis es  El Rey del rock o puedes no creerlo (Yo me quedo con la segunda opción), lo que no puedes hacer es cuestionar el talento vocal de uno de los primeros blancos en hacer Rock and roll y masificarlo para el mundo. Su tono bajo es inconfundible y conmovedor.

Escucha esencial: “Hound dog”, “Cant help falling in love”.

4.- Chris Cornell, Soundgarden: El año pasado vino a Chile en el contexto del festival Maquinaria y se paró frente a 40 mil personas sólo con una guitarra acústica y su voz. Los cautivo a todos. Creo que incluso podía haberse parado sólo con su voz y aún seguía siendo increíblemente bueno.

Escucha esencial: “Black hole sun”, “The day i tried to live", “Blow up the outside world”.

3.- Mike Patton, Faith no More: En su diversidad de estilos tan bien realizados ha demostrado que puede gritar, ladrar, aullar o cantar una balada y no salirse del tono y de la canción. Es de esos artistas que te preguntas ¿cómo no murió a los 27 años?

Escucha esencial: “Evidence”, “Last cup of sorrow”, “Ashes to ashes”.

2.- Freddy Mercury, Queen: Sus cuatro octavas de tesitura vocal sumadas a su increíble actitud de frontman lo transformaron en uno de los vocalistas más prodigiosos en la historia del rock. Impresionante.

Escucha esencial: “Bohemian Rhapsody”, “Play the game”.

1.- Robert Plant, Led Zeppelin: Influenció a muchísimos rockeros posteriores con su estilo tan femenino como masculino a la vez. En su adolescencia estaba obsesionado con el blues americano lo cual traspasó de gran manera en los Zeppelin. Sus tonos agudos tienen un desgarro tremendamente único y admirado. Es muy probable que 100 años después sus alaridos afinados sigan influenciando a las nuevas generaciones. Escucharlo es un viaje interestelar.

Escucha esencial: “Dazed and confused”, “Babe Im gonna leave you”.

Los 20 mejores solos de guitarra de la historia

Siguiendo la línea de la publicación anterior, esta semana nos aventuramos a entregar los 20 mejores solos de guitarra que el rock nos ha entregado.

Dentro de los criterios usados están por ejemplo, creatividad, sonido, y actitud.

Dicho esto, nos hacemos responsables del listado por lo que si gusta puede mandarnos al diablo con facilidad. Recuerden que el orden es aleatorio:

1.- Beat it, Michael Jackson. Guitarrista: Eddie Van Halen: Solo desenfrenado y lleno de talento. Es probable que la cara de Michael comenzara a desfigurarse luego de oír este solo. Tremendo.

2.- Little Wing, Jimi Hendrix:  Precioso. Hendrix antes de los setentas te dejaba claro como se hacía un solo lleno de sentimiento en una balada.

3.- November rain, Guns and Roses. Guitarrista: Slash: Suave y melodioso al comienzo, rápido y ligado después. Slash es bueno para hacer melodías incluso cuando acelera el pulso.

4.- Heartbreaker, Led Zeppelin, Guitarrista: Jimy Page: Pasado el minuto 2:02 comienza el solo a capella. Aunque con algunos errores en la digitación es un derechazo en la quijada. Cuando vuelve la banda a sonar, es más explosivo aún.

5.- Hotel California, The Eagles, Guitarristas Don Felder, Joe Walsh: Con una base instrumental acústica, el solo eléctrico se realza como la luz en el túnel. Los bendings o estiramiento de cuerdas te calan los huesos.

6.- Bulls on parade, Rage Against the Machine, Guitarrista: Tom Morello: ¿En serio es una guitarra lo suena? Bueno aquí apelamos al criterio de originalidad. Una patada en la entrepierna a quienes ven la guitarra solo como un trozo de madera con cuerdas. ¿De eso se trata el rock o no?

7.- Hold the line, Toto, Guitarrista: Steve Lukather: En la grabación de estudio el volumen del riff queda por encima del solo opacándolo un poco, pero sin duda el momento del solo es el clímax de la canción.

8.- Money, Pink Floyd, Guitarrista: David Gilmore: Al momento del solo, el tema cambia de su 7/4 original a 4/4 lo cual le entrega un dinamismo notable. Como si nada luego el tema vuelve al 7/4. Un solo muy musical y elegante.

9.- Girls, Girls, Girls, Motley Crue, Guitarrista: Mick Mars: Este solo huele a cigarrillos, wiskey y noche. Aquí Mick demuestra que en las 6 cuerdas no era cualquier guitarrista.

10.- Bohemian Rhapsody, Queen, Guitarrista: Brian May: La parte del solo es totalmente melodiosa pero no por eso menos rockera. Hace de puente entre la parte de balada y la de ópera. Un tremendo solo que traspasa toda frontera musical. El guitarrista afirmó que quiso “componer una pequeña melodía que haga de contraparte a la principal”.

11.- Trust, Megadeth, Guitarrista: Marty Friedman: el solo sucede una parte instrumental bellísima y levanta la canción hasta la estratósfera. Así deberían ser todos los solos.

12.- Paradise City, Guns and Roses, Guitarrista: Slash: A pesar de que el tempo de esta canción en un momento se acelera, Slash sigue tirando frases bluseras hasta el final. Es como un B.B. King con una sobre dosis de anfetas. Sigo preguntándome cómo lo hace.

13.- Cult of personality, Living Color. Guitarrista: Vernom Reid: Vernom Reid, estudió guitarra con profesores jazzeros y eso se nota. Aquí se mueve libre por el mástil dejándote boquiabierto tanto por el sonido como por la elección de las notas.

14.- Crazy Train, Ozzy Osburne, Guitarrista: Randy Rhoads: Tanto en la versión de Randy como en la de Zack Wylde, parece un vendaval. Es probable que este sea el origen del Big Bang.

15.- One, Metallica, Guitarrista: Kirk Hammett: La canción está llena de partes de guitarra muy bien logradas y el solo final es una explosión. La limpieza de los tapping y bendings llama la atención.

16.- Whole Lotta Rosie, AC/DC, Guitarrista: Angus Young: Una canción sexual debe tener un solo orgásmico y este es un buen ejemplo. Angus traspasa la escala pentatónica  con estiramientos de cuerdas sacados del mismísimo infierno. Uno de mis solos favoritos.

17.- In Bloom, Nirvana, Guitarrista: Kurt Cobain: Probablemente esta no se encuentre en otra lista, pero representa bien lo que era Kurt. Un solo de guitarra ruidoso, oscuro y triste. Perfecto para la canción.

18.- Cemetary gates, Pantera, Guitarrista: Dimebag Darrell: El solo central entra como un gatito delicado y cuando el tempo se acelera se transforma en un tigre dientes de sable. El solo de salida tiene la dinámica de pregunta – respuesta con la voz, alcanzando un tono astronáutico.

19.- Johnny B Goode, Chuck Berry: La canción fue grabada en 1958 pero sigue fresquita. Todo el rock y los solos posteriores debiesen agradecer al bueno de Chuck. Pura fiesta en las seis cuerdas.

20.- Red House, Jimi Hendrix: La guitarra parece llorar. Nosotros también. Jimi venía de otro planeta.

Los 20 mejores riffs de la historia del rock

Hay riffs de guitarra que los reconocería hasta el párroco de una lejana isla poco habitada y sin radio. Eso los hace especiales y perdurables en la historia. En Rockeros hemos confeccionado esta lista, aunque vale dejar en claro que el orden es absolutamente aleatorio (no somos nadie para decir cual es mejor que otro). Si usted cree faltó alguno no dude en comentarlo.

1.- Sweet child o mine, Guns and roses: Slash ha dicho que lo odiaba y que nació como un ejercicio para calentar los dedos. Axl fue el visionario quien dijo que eso debía transformarse en una canción, y vaya, el hombre sabía.

2.- Iron man, Black Sabbath: Suena como un tiranosaurio rex viniendo hacía ti. Ganó un Grammy el 2000 como mejor interpretación del metal.

3.- Purple haze, The Jimi Hendrix Experience: Fue grabada en 1967 pero suena tan fresca como si la hubiesen grabado ayer. Hendrix aquí realiza una de las intros más memorables que se le escucharon en su carrera.

4.- Satisfaction, Rolling Stone: Cuenta la historia que Keith Richards, guitarrista de los Stone, se despertó en medio de la noche tomó la guitarra y apretó rec en la videocasette grabando la intro. Luego se fue a dormir. Notable inspiración de Morfeo… o quizá de alguna sustancia.

5.- Day triper, The Beatles: A pesar de que no es un riff pesado es adictivo como la Coca Cola. Grabado por la necesidad de lanzar un single de navidad en 1965 funciona como perfecto ejemplo de cómo se armonizaban Lennon y McCarrtney.

6.- Enter sandman, Metallica: Es la primera canción escrita para el Black álbum, nace a partir de un riff ideado por Kirk Hammet. Sandman es el hombre arena símil a lo que en nuestras tierras conocemos como el hombre del saco. La introducción al riff inicial y central, es realmente escalofriante.

7.- Smell like teen spirits, Nirvana: Todo un himno de una generación noventera que esperaba ser representada. Según la biografía de Cobain escrita por Charles R. Cross, Kathleen Hanna, amiga de Kurt y por ese entonces la chica con la que salía Dave Grohl, escribió con spray en la pared: “Kurt huele a esencia de adolescencia” o en un traducción más gráfica: “Kurt huele a Teen spirits” (La chica se refería a un desodorante para chicas usado por Tobi, la chica de Kurt en ese entonces). Esto era una mofa de que Kurt olía a la fragancia de su novia.

8.- My generation, The Who: “Espero morir antes de envejecer” dice la letra y el riff, aunque simple, te hipnotiza. Hasta Los Tres tienen su versión de este clásico del rock.

9.- Back in Black, AC/DC: Sexta pista del disco del mismo nombre, fue grabada en abril de 1980. Tres acordes y una voz desgarrada bastaron para hacer un tema central en la historia del rock.

10.- Smoke on the water, Deep Purple: Pertenece al álbum Machine Head, el tema cuenta la historia del incendio del casino de Montreux en medio de un concierto de Frank Zappa.

11.- Walk this way, Aerosmith: Riff juguetón y bailable, pero no por eso menos rockero. Compuesta por Steven Tyler y Joe Perry, tuvo luego su versión con Run DMC, fusionando el rock con el rap.

12.- Born to be wild, Steppenwolf: Imposible no escuchar este tema y no imaginarse en una moto, en medio de la carretera con una rubia en tus espaldas. Precursora en el estilo hard rock.

13.- Sunshine of your love, Cream: El sicodélico y humeante riff inicial se le acredita a Jack bruce, bajista, quien se pasó la noche creándolo. 

14.- Heartbreaker, Led Zeppelin: Tiene un riff repetitivo que avanza en distintas tonalidades hasta que llega al solo a capella. Jimmy Page en su momento de mayor inspiración.

15.- Rock and roll all nite, Kiss: Pertenece al Dressed to Kill y cierra el unplugged de la banda. Pura fiesta hecha música. ¿qué había en el agua en los 70?

16.- I wanna rock, Twited Sister: En su tiempo atrajo críticas de grupos conservadores por lo hilarante del video. Lo cierto es que el riff, sumado al canto heavy, te golpea en la cara. 

17.- Hot for teacher, Van Halen: La batería de Alex van Halen y la guitarra de Eddie te introducen a un tema con un tempo acelerado y sincopado. El talento en las 6 cuerdas de Eddie es mounstroso.

18.- Even flow, Pearl Jam: Pertenece al grandioso álbum Ten de 1991. El riff es calmado y algo funk, pero rockea.

19.- Should i stay or should i go, The clash: Escrita en 1981, ocupa el lugar 42 en la lista de 100 Mejores canciones hard rock de VH1. Alcanzó el número 1 en las listas británicas, aunque 10 años después.

20.- La granje, ZZ top: Un riff sureño, limpio y clásico. Desde Texas para el mundo y con actitud. Pertenece al disco Tres Hombres publicado en 1973.

De la última venida de Guns and Roses a Chile

Mientras esperaba pacientemente que Axl asomara su nariz y comenzara a entonar las melodías que lo habían hecho la estrella de rock más codiciada del glam rock a principios de los noventa, me preguntaba cómo la fanaticada era tan incondicional de esperar tanto por ver a un artista.

Guns and Roses se suponía saldría a las 23 hrs, pero los teloneros Dion entre rechiflas se encontraban tocando a esa hora, lo que hacía suponer que la espera sería larga y tediosa.

Tipo 1 AM el Movistar Arena se venía abajo entre tanta pifiadera sumados a los típicos rumos de que el concierto se suspendía porque el bueno de Axl estaba borracho. Ese rumor en particular me saco una sonrisa de felicidad. Felicidad ingenua a decir verdad, ya que me transportó a los noventa cuando el señor Rose sí tenía el derecho a hacerlo ya que sus discos se vendían como pan caliente y la banda tenía una actitud que conquistaba hasta al más duro.

Finalmente cerca de la 1.15 AM se apagan las luces y comienza la fiesta. Chinese Democracy es la encargada de abrir la tercera visita de los Guns a Chile, seguida de una debilucha Welcome to the jungla.

Así, fueron avanzando los mejores hits del Apetite of destruction y Use your illusion entrelazados de los menos conocidos temas del último disco.

La intensa Its so easy, pegada a Mr. Brownstone levantaron el hard rock  de la madrugada mientras que una impecable Sorry del disco Chinese Democracy, le recordaron a todo el mundo que el ahora robusto Axl no está tan acabado como muchos creen.

Pasada la hora de concierto, Dj Ashba, una de las 3 guitarras de la reformada banda, se para frente al público y con una similitud notable con Slash comienza a introducir a todo el mundo a la emblemática Sweet Child o mine creando la algarabía del respetable.

¿Los solos?

Se turnaban. Más menos como la dinámica que pasa en Iron Maiden, todos solean y todos hacen guitarras rítmicas. Son todos rápidos y rudos pero si tuviera que elegir al mejor es sin duda Bumblefoot quien interpretó una preciosa versión de Dont Cry, haciendo melodía y acordes en las 6 cuerdas, muy al estilo del fingerpicking.

Para finalizar, Paradise City y con un Axl corriendo como antaño junto a unos  guitarristas haciendo los mejores esfuerzos por hacer solos que den el ancho de la canción, mientras la pista se llena de confeti. Terminada la canción Rose tira el micrófono al público causando un altercado de proporciones.

Notable noche de un rockero glamoroso y caprichoso que se niega a dejar de ser un rockstar.