Lo peor del rock

Todo el mundo tiene el derecho a equivocarse, de eso no cabe duda. Y probablemente las estrellas de rock cuenten con esa premisa elevada a dos, si son ellos quienes musicalizan nuestras vidas con sus tonadas.

No obstante, no podemos hacernos los locos cuando grandes bandas hacen pésimos discos.

En esta columna los 10 peores discos de la historia del rock según Rockeros.cl

10.- spaghetti Incident? Es un disco de versiones, pero está muy por debajo de lo hecho por los Guns anteriormente. Es plano y sin brillo. Aún así tiene cortes memorables como Aint It Fun, Hair of the Dog o Since I Dont Have You.

9.- Crush, Bon Jovi: Empieza como avión, con el sonido Talk Box de Richie Sambora, en Its My Life, pero ya en el segundo corte el avión se va en picada. Es probablemente el álbum definitivo rock pop de Bon Jovi, pero no se encuentra en esta lista precisamente por eso, sino porque el disco resulta tedioso como él sólo.  

8.- If not now, when?, Incubus: Siempre es bienvenida la creatividad musical, pero la banda californiana tomó un rumbo musical muy opaco. Parece la banda sonora de alguna película de amor protagonizada por Ben Stiller. Tanto talento desperdiciado.

7.- Music from the Elder, Kiss: Una pena pero hay que reconocerlo, el disco es pésimo. No prende en ningún momento de los casi 45 minutos de duración. Tanto así que el disco ni siquiera tuvo gira de apoyo, salvo presentaciones en TV. Subieron su nivel eso sí al año siguiente con el álbum Creatures of the Night.

6.- Risk, Megadeth: Cuenta la leyenda que Lars Ulrich dijo alguna vez en una conferencia de prensa que Mustaine debía tomar más riesgos en su música y este último le respondió con un disco. Lamentablemente el Riesgo no fue nada bueno. El sonido de las guitarras suena tan procesado que hasta el día de hoy dudo de si son en realidad guitarras lo que suenan.

5.- Diorama, Silverchair: Luego de un par de años fuera de la escena musical los australianos lanzaron este disco (2002). Parecido a lo de Incubus donde luego de cortar cabezas con riffs demoledores cambian el rumbo a un pop rock muy meloso. Un disco tremendamente plano y derechamente bajo. Lo penoso es que 5 años después parece que no aprendieron la lección ya que Young Modern (2007) es casi tan malo como este.

4.- Gold cobra, Limp Bizkit: Los riffs de guitarra parecen sacados del infierno, pero un disco no puede sostenerse sólo en eso. Los fraseos de Fred Durst suenan torpes, así como los forzados cambios de tempo. Los samples de disparos, muy al estilo Snoop Dog, son de otros tiempos Fred. Al igual que sus colegas de Korn la caída libre es incuestionable.

3.- Born Villain, Marilyn Manson: De este año. En este estilo todo procesamiento en las guitarras o bajos es bien recibido, pero las líneas melódicas o las secuencias en los riffs suenan ingenuas y novatas. Además los cortes son muy anticipados dejando toda posibilidad de digerir los temas.La voz de Manson eso sí, sigue tal cual.

2.- Lulu, Metallica con Lou Reed: ¿Qué pasó aquí? Notable ejemplo para ilustrar que juntar dos íconos musicales no siempre es buena idea. Un tropiezo en la carrera de ambos. Mientras Lou Reed recita Los Metallica cabecean.

1.- Path of Totality,Korn: Nauseabundo. Jonathan Davis probablemente crea que por haber hecho clásicos del agro metal como Blind o A.D.I.D.A.S., o haber influenciado a una camada de rockeros posteriores puede grabar lo que se le cruce por la cabeza. En una entrevista a Pulseoftheradio dijo “la escencia de Korn está intacta”. Ni en tus mejores sueños Jon, Korn está lejos de ser lo que fue a finales de los 90. Lo peor de todo es que el disco que antecede a este, Korn III Remember Who You Are, es igual de malo.

Le pido disculpas a los lectores no haber podido escuchar el disco entero pero me enfermé de la guata con este disco. En serio.

Los mejores cantantes de rock

El rock and roll no sólo ha entregado buenos riffs y solos de guitarra alocados, también ha ofrecido voces hermosas. Aunque claro, en este aspecto el adjetivo “hermoso” puede caer en un tipo amplio de subjetividad que está determinado por el oyente. Pero en Rockeros la tenemos clara.

Por eso confeccionamos esta lista de 10 voces de otro nivel.

 Muchas veces el cantante puede no ser tan prodigioso pero tener un carisma y una actitud única que lo hace estar en las grandes listas. Por ejemplo Kurt Cobain era un gritón y muchas veces en vivo se salió del tono, pero es el número 45 de la lista de 100 mejores voces de la Rolling Stone y la verdad yo lo habría puesto más cerca de los primeros lugares.

¡Esta vez en nuestra lista el orden SÍ importa!

10.- Axl Rose, Guns and Roses: La voz de Axl puede transitar entre el tono dulce de una balada y luego transformarse en un infierno. En ambos estilos es tremendo. Lo delicada de la voz en Patience parece ser de otra persona en comparación a lo agresivo de Its so easy.

Escucha esencial: “Dont Cry”, “Welcome to the Jungle”.

9.- Jim Morrison, The Doors: Su voz es un huracán de emociones. Reinventó el blues americano y lo llevó en una dirección cósmica con su voz y sus poesías. Un genio.

Escucha esencial: “L.A. Woman”, “Light my fire".

8.- Janis Joplin: Puedes escucharla y creer que es una mujer negra y de edad, Pero no. Le imprimía una pasión y un desgarro a sus melodías que 40 años después sigue poniéndote los pelos de punta.

Escucha esencial: “Piece of my hart”.

7.- Bruce Dickinson, Iron Maiden: Tiene la capacidad de cantar y mantener el tono aún cuando corre y salta por todo el escenario. Y vale decir que no mantiene tonos cómodos, sino los agudos en el clímax de determinada canción. Tanto Verlo en vivo como oír las grabaciones, es realmente grato.

Escucha esencial: “Fear of the Dark”.

6.- Laney Staley, Alice in Chains: El vibrato de Laney rompe esquemas. Su color de voz es oscuro y provocador. Staley es de esos cantantes que cuando canta sobre la soledad su voz te transmite aquella sensación y puedes sentir la soledad. Un talento oscuro.

Escucha esencial: “I am inside”, “Down in a hole”.

5.- Elvis Presley: Puedes creer que Elvis es  El Rey del rock o puedes no creerlo (Yo me quedo con la segunda opción), lo que no puedes hacer es cuestionar el talento vocal de uno de los primeros blancos en hacer Rock and roll y masificarlo para el mundo. Su tono bajo es inconfundible y conmovedor.

Escucha esencial: “Hound dog”, “Cant help falling in love”.

4.- Chris Cornell, Soundgarden: El año pasado vino a Chile en el contexto del festival Maquinaria y se paró frente a 40 mil personas sólo con una guitarra acústica y su voz. Los cautivo a todos. Creo que incluso podía haberse parado sólo con su voz y aún seguía siendo increíblemente bueno.

Escucha esencial: “Black hole sun”, “The day i tried to live", “Blow up the outside world”.

3.- Mike Patton, Faith no More: En su diversidad de estilos tan bien realizados ha demostrado que puede gritar, ladrar, aullar o cantar una balada y no salirse del tono y de la canción. Es de esos artistas que te preguntas ¿cómo no murió a los 27 años?

Escucha esencial: “Evidence”, “Last cup of sorrow”, “Ashes to ashes”.

2.- Freddy Mercury, Queen: Sus cuatro octavas de tesitura vocal sumadas a su increíble actitud de frontman lo transformaron en uno de los vocalistas más prodigiosos en la historia del rock. Impresionante.

Escucha esencial: “Bohemian Rhapsody”, “Play the game”.

1.- Robert Plant, Led Zeppelin: Influenció a muchísimos rockeros posteriores con su estilo tan femenino como masculino a la vez. En su adolescencia estaba obsesionado con el blues americano lo cual traspasó de gran manera en los Zeppelin. Sus tonos agudos tienen un desgarro tremendamente único y admirado. Es muy probable que 100 años después sus alaridos afinados sigan influenciando a las nuevas generaciones. Escucharlo es un viaje interestelar.

Escucha esencial: “Dazed and confused”, “Babe Im gonna leave you”.

Los 20 mejores solos de guitarra de la historia

Siguiendo la línea de la publicación anterior, esta semana nos aventuramos a entregar los 20 mejores solos de guitarra que el rock nos ha entregado.

Dentro de los criterios usados están por ejemplo, creatividad, sonido, y actitud.

Dicho esto, nos hacemos responsables del listado por lo que si gusta puede mandarnos al diablo con facilidad. Recuerden que el orden es aleatorio:

1.- Beat it, Michael Jackson. Guitarrista: Eddie Van Halen: Solo desenfrenado y lleno de talento. Es probable que la cara de Michael comenzara a desfigurarse luego de oír este solo. Tremendo.

2.- Little Wing, Jimi Hendrix:  Precioso. Hendrix antes de los setentas te dejaba claro como se hacía un solo lleno de sentimiento en una balada.

3.- November rain, Guns and Roses. Guitarrista: Slash: Suave y melodioso al comienzo, rápido y ligado después. Slash es bueno para hacer melodías incluso cuando acelera el pulso.

4.- Heartbreaker, Led Zeppelin, Guitarrista: Jimy Page: Pasado el minuto 2:02 comienza el solo a capella. Aunque con algunos errores en la digitación es un derechazo en la quijada. Cuando vuelve la banda a sonar, es más explosivo aún.

5.- Hotel California, The Eagles, Guitarristas Don Felder, Joe Walsh: Con una base instrumental acústica, el solo eléctrico se realza como la luz en el túnel. Los bendings o estiramiento de cuerdas te calan los huesos.

6.- Bulls on parade, Rage Against the Machine, Guitarrista: Tom Morello: ¿En serio es una guitarra lo suena? Bueno aquí apelamos al criterio de originalidad. Una patada en la entrepierna a quienes ven la guitarra solo como un trozo de madera con cuerdas. ¿De eso se trata el rock o no?

7.- Hold the line, Toto, Guitarrista: Steve Lukather: En la grabación de estudio el volumen del riff queda por encima del solo opacándolo un poco, pero sin duda el momento del solo es el clímax de la canción.

8.- Money, Pink Floyd, Guitarrista: David Gilmore: Al momento del solo, el tema cambia de su 7/4 original a 4/4 lo cual le entrega un dinamismo notable. Como si nada luego el tema vuelve al 7/4. Un solo muy musical y elegante.

9.- Girls, Girls, Girls, Motley Crue, Guitarrista: Mick Mars: Este solo huele a cigarrillos, wiskey y noche. Aquí Mick demuestra que en las 6 cuerdas no era cualquier guitarrista.

10.- Bohemian Rhapsody, Queen, Guitarrista: Brian May: La parte del solo es totalmente melodiosa pero no por eso menos rockera. Hace de puente entre la parte de balada y la de ópera. Un tremendo solo que traspasa toda frontera musical. El guitarrista afirmó que quiso “componer una pequeña melodía que haga de contraparte a la principal”.

11.- Trust, Megadeth, Guitarrista: Marty Friedman: el solo sucede una parte instrumental bellísima y levanta la canción hasta la estratósfera. Así deberían ser todos los solos.

12.- Paradise City, Guns and Roses, Guitarrista: Slash: A pesar de que el tempo de esta canción en un momento se acelera, Slash sigue tirando frases bluseras hasta el final. Es como un B.B. King con una sobre dosis de anfetas. Sigo preguntándome cómo lo hace.

13.- Cult of personality, Living Color. Guitarrista: Vernom Reid: Vernom Reid, estudió guitarra con profesores jazzeros y eso se nota. Aquí se mueve libre por el mástil dejándote boquiabierto tanto por el sonido como por la elección de las notas.

14.- Crazy Train, Ozzy Osburne, Guitarrista: Randy Rhoads: Tanto en la versión de Randy como en la de Zack Wylde, parece un vendaval. Es probable que este sea el origen del Big Bang.

15.- One, Metallica, Guitarrista: Kirk Hammett: La canción está llena de partes de guitarra muy bien logradas y el solo final es una explosión. La limpieza de los tapping y bendings llama la atención.

16.- Whole Lotta Rosie, AC/DC, Guitarrista: Angus Young: Una canción sexual debe tener un solo orgásmico y este es un buen ejemplo. Angus traspasa la escala pentatónica  con estiramientos de cuerdas sacados del mismísimo infierno. Uno de mis solos favoritos.

17.- In Bloom, Nirvana, Guitarrista: Kurt Cobain: Probablemente esta no se encuentre en otra lista, pero representa bien lo que era Kurt. Un solo de guitarra ruidoso, oscuro y triste. Perfecto para la canción.

18.- Cemetary gates, Pantera, Guitarrista: Dimebag Darrell: El solo central entra como un gatito delicado y cuando el tempo se acelera se transforma en un tigre dientes de sable. El solo de salida tiene la dinámica de pregunta – respuesta con la voz, alcanzando un tono astronáutico.

19.- Johnny B Goode, Chuck Berry: La canción fue grabada en 1958 pero sigue fresquita. Todo el rock y los solos posteriores debiesen agradecer al bueno de Chuck. Pura fiesta en las seis cuerdas.

20.- Red House, Jimi Hendrix: La guitarra parece llorar. Nosotros también. Jimi venía de otro planeta.

Los 20 mejores riffs de la historia del rock

Hay riffs de guitarra que los reconocería hasta el párroco de una lejana isla poco habitada y sin radio. Eso los hace especiales y perdurables en la historia. En Rockeros hemos confeccionado esta lista, aunque vale dejar en claro que el orden es absolutamente aleatorio (no somos nadie para decir cual es mejor que otro). Si usted cree faltó alguno no dude en comentarlo.

1.- Sweet child o mine, Guns and roses: Slash ha dicho que lo odiaba y que nació como un ejercicio para calentar los dedos. Axl fue el visionario quien dijo que eso debía transformarse en una canción, y vaya, el hombre sabía.

2.- Iron man, Black Sabbath: Suena como un tiranosaurio rex viniendo hacía ti. Ganó un Grammy el 2000 como mejor interpretación del metal.

3.- Purple haze, The Jimi Hendrix Experience: Fue grabada en 1967 pero suena tan fresca como si la hubiesen grabado ayer. Hendrix aquí realiza una de las intros más memorables que se le escucharon en su carrera.

4.- Satisfaction, Rolling Stone: Cuenta la historia que Keith Richards, guitarrista de los Stone, se despertó en medio de la noche tomó la guitarra y apretó rec en la videocasette grabando la intro. Luego se fue a dormir. Notable inspiración de Morfeo… o quizá de alguna sustancia.

5.- Day triper, The Beatles: A pesar de que no es un riff pesado es adictivo como la Coca Cola. Grabado por la necesidad de lanzar un single de navidad en 1965 funciona como perfecto ejemplo de cómo se armonizaban Lennon y McCarrtney.

6.- Enter sandman, Metallica: Es la primera canción escrita para el Black álbum, nace a partir de un riff ideado por Kirk Hammet. Sandman es el hombre arena símil a lo que en nuestras tierras conocemos como el hombre del saco. La introducción al riff inicial y central, es realmente escalofriante.

7.- Smell like teen spirits, Nirvana: Todo un himno de una generación noventera que esperaba ser representada. Según la biografía de Cobain escrita por Charles R. Cross, Kathleen Hanna, amiga de Kurt y por ese entonces la chica con la que salía Dave Grohl, escribió con spray en la pared: “Kurt huele a esencia de adolescencia” o en un traducción más gráfica: “Kurt huele a Teen spirits” (La chica se refería a un desodorante para chicas usado por Tobi, la chica de Kurt en ese entonces). Esto era una mofa de que Kurt olía a la fragancia de su novia.

8.- My generation, The Who: “Espero morir antes de envejecer” dice la letra y el riff, aunque simple, te hipnotiza. Hasta Los Tres tienen su versión de este clásico del rock.

9.- Back in Black, AC/DC: Sexta pista del disco del mismo nombre, fue grabada en abril de 1980. Tres acordes y una voz desgarrada bastaron para hacer un tema central en la historia del rock.

10.- Smoke on the water, Deep Purple: Pertenece al álbum Machine Head, el tema cuenta la historia del incendio del casino de Montreux en medio de un concierto de Frank Zappa.

11.- Walk this way, Aerosmith: Riff juguetón y bailable, pero no por eso menos rockero. Compuesta por Steven Tyler y Joe Perry, tuvo luego su versión con Run DMC, fusionando el rock con el rap.

12.- Born to be wild, Steppenwolf: Imposible no escuchar este tema y no imaginarse en una moto, en medio de la carretera con una rubia en tus espaldas. Precursora en el estilo hard rock.

13.- Sunshine of your love, Cream: El sicodélico y humeante riff inicial se le acredita a Jack bruce, bajista, quien se pasó la noche creándolo. 

14.- Heartbreaker, Led Zeppelin: Tiene un riff repetitivo que avanza en distintas tonalidades hasta que llega al solo a capella. Jimmy Page en su momento de mayor inspiración.

15.- Rock and roll all nite, Kiss: Pertenece al Dressed to Kill y cierra el unplugged de la banda. Pura fiesta hecha música. ¿qué había en el agua en los 70?

16.- I wanna rock, Twited Sister: En su tiempo atrajo críticas de grupos conservadores por lo hilarante del video. Lo cierto es que el riff, sumado al canto heavy, te golpea en la cara. 

17.- Hot for teacher, Van Halen: La batería de Alex van Halen y la guitarra de Eddie te introducen a un tema con un tempo acelerado y sincopado. El talento en las 6 cuerdas de Eddie es mounstroso.

18.- Even flow, Pearl Jam: Pertenece al grandioso álbum Ten de 1991. El riff es calmado y algo funk, pero rockea.

19.- Should i stay or should i go, The clash: Escrita en 1981, ocupa el lugar 42 en la lista de 100 Mejores canciones hard rock de VH1. Alcanzó el número 1 en las listas británicas, aunque 10 años después.

20.- La granje, ZZ top: Un riff sureño, limpio y clásico. Desde Texas para el mundo y con actitud. Pertenece al disco Tres Hombres publicado en 1973.

De la última venida de Guns and Roses a Chile

Mientras esperaba pacientemente que Axl asomara su nariz y comenzara a entonar las melodías que lo habían hecho la estrella de rock más codiciada del glam rock a principios de los noventa, me preguntaba cómo la fanaticada era tan incondicional de esperar tanto por ver a un artista.

Guns and Roses se suponía saldría a las 23 hrs, pero los teloneros Dion entre rechiflas se encontraban tocando a esa hora, lo que hacía suponer que la espera sería larga y tediosa.

Tipo 1 AM el Movistar Arena se venía abajo entre tanta pifiadera sumados a los típicos rumos de que el concierto se suspendía porque el bueno de Axl estaba borracho. Ese rumor en particular me saco una sonrisa de felicidad. Felicidad ingenua a decir verdad, ya que me transportó a los noventa cuando el señor Rose sí tenía el derecho a hacerlo ya que sus discos se vendían como pan caliente y la banda tenía una actitud que conquistaba hasta al más duro.

Finalmente cerca de la 1.15 AM se apagan las luces y comienza la fiesta. Chinese Democracy es la encargada de abrir la tercera visita de los Guns a Chile, seguida de una debilucha Welcome to the jungla.

Así, fueron avanzando los mejores hits del Apetite of destruction y Use your illusion entrelazados de los menos conocidos temas del último disco.

La intensa Its so easy, pegada a Mr. Brownstone levantaron el hard rock  de la madrugada mientras que una impecable Sorry del disco Chinese Democracy, le recordaron a todo el mundo que el ahora robusto Axl no está tan acabado como muchos creen.

Pasada la hora de concierto, Dj Ashba, una de las 3 guitarras de la reformada banda, se para frente al público y con una similitud notable con Slash comienza a introducir a todo el mundo a la emblemática Sweet Child o mine creando la algarabía del respetable.

¿Los solos?

Se turnaban. Más menos como la dinámica que pasa en Iron Maiden, todos solean y todos hacen guitarras rítmicas. Son todos rápidos y rudos pero si tuviera que elegir al mejor es sin duda Bumblefoot quien interpretó una preciosa versión de Dont Cry, haciendo melodía y acordes en las 6 cuerdas, muy al estilo del fingerpicking.

Para finalizar, Paradise City y con un Axl corriendo como antaño junto a unos  guitarristas haciendo los mejores esfuerzos por hacer solos que den el ancho de la canción, mientras la pista se llena de confeti. Terminada la canción Rose tira el micrófono al público causando un altercado de proporciones.

Notable noche de un rockero glamoroso y caprichoso que se niega a dejar de ser un rockstar.

¿Qué ha hecho Metallica por el Rock?

Lo recuerdo clarito. Yo tenía unos 10 años y me encontraba en el clásico negocio de playa en el Quisco. De pronto, entró el típico  chascón metalero, en el tiempo en que ser melenudo era sinónimo de tener chica y ser ondero, todo lo que yo esperaba en la vida, con una polera de Metallica. Yo curioso de ver ese nombre en todos lados me envalentoné en preguntarle: “¿qué es Metallica?”. “una banda de rock”, me respondió con una leve sonrisa socarrona en la cara. Para que notara que no hablaba con cualquier niño le pregunté “¿Como los Guns and Roses?”. “Más pesado” me dijo, medio choreado y burlón.

Luego de eso decidí a la vuelta en Santiago descubrir qué tan pesado sonaban y por qué tanta gente los seguía. En ese entonces sin Internet, me llevó un tiempo poder encontrar a alguien que tuviera un casete de los Metallica, pero por suerte en ese entonces aún se escuchaban clásicos del rock en algunas radioemisoras nacionales.

Escuché One y vi el video. Wow, quedé sin respiración por largos minutos, definitivamente eran más pesados que los Guns y su actitud era sacada del mismísimo infierno. Eran chascones pero no afeminados como los rockeros de la corriente Glam. Parecían estar dispuestos a romperte la guitarra en la cabeza si no encajabas en la movida, así que ni modo.

La historia de Metallica es un vaivén de rock and roll. Del 83 al 91 lanzaron 5 discazos: Kill em all, Ride the Lighting, Master of Puppets, …And justice for all, y el Black Album.

Luego el nunca bien ponderado rubio de Seattle, Kurt Cobain, amenazó con dejar sin trabajo a todos, por lo que Metallica innova con guitarras más moderadas en su distorsión y estrenan nuevos looks, cortándose las cabelleras, en Load y Reload.

Luego en el 2003, cuando ahora es el agro metal el que lleva la batuta, hacen St. Anger disco que se aleja del Trash original y coquetea con el Nu metal de manera descarada. Si bien ganó un grammy el 2004 por mejor interpretación de Heavy Metal, los metaleros más ortodoxos hacían arcadas cada vez que salían en la TV. 

Finalmente en el 2008 lanzan Death Magnetic volviendo (o tratando) a hacer lo que los llevo a la cima en los 80-90, un rock crudo, rápido, y frontal. La crítica agradeció aquello, pero por otro lado de alguna manera se ven forzados a volver a sus raíces, dados la negativa de los más fieles seguidores.

Mención aparte para su disco con Lou Reed , Lulu, el cual los críticos hicieron pebre, y la verdad es un disco muy poco entendible.

Pero fuera de los palos de ciego que ha dado la banda, Metallica es una banda central en la historia del rock. Han tenido discazos y sin duda han sido un puente entre el trash metal y la gente no entendida.

Sus rounds con Dave Mustaine y  la muerte de Cliff Burton le han dado aquella consistencia natural que toda gran banda de rock necesariamente debe tener en su carrera.

Por otro lado, ha decir verdad nunca he entrado a un bar rockero donde no se oigan los acordes de algún tema de Metallica. Por algo será.

Lo nuevo de Slash

Antes que todo debo ser sincero. La primera vez que vi a Slash tenía 12 años y me voló la cabeza. Por primera vez en mi corta experiencia musical, hasta ese momento, veía a un guitarrista capaz de opacar al vocalista. Aunque claro el vocalista era Axl Rose quien tenía la voz, el carisma y la belleza; o sea todo para no ser opacado. Eran la dupla perfecta.

Slash me pareció la hostia misma. Parecía un tipo recién levantado y desaseado pero capaz de llevarse a todas las chicas guapas de la fiesta solo a punta de actitud. No le importaba tener toda la melena en la cara ni mucho menos llevar un cigarrillo encendido entre toda esa cabellera. Era una cruza entre Hendrix, los Ramones y un alcohólico de Los Ángeles dispuesto a volarte los sesos.

Dicho esto señor lector, y siguiendo con la sinceridad inicial, ahora usted sabe que mi grado de objetividad como crítico esta vez estará algo distorsionada.

Hoy día Slash tiene 47 años. Dejó atrás su pasado de drogas pero no de rock and roll. Y así es como en mayo de este año lanzó su segundo disco solista del cual hablaremos en esta humilde columna con todo el juicio crítico que me sea posible.

Apocalyptic Love es el nombre, consta de 13 temas más 2 bonus track y tiene la siguiente formación: Slash en la guitarra principal, Myles Kennedy en la voz, Todd Kerns en el bajo y Brent Fitz en la batería.

El disco abre con el tema homónimo y el wah wah de Slash que reconocería hasta mi hijo de 7 años. Si pudiese registrarse el sonido de una Les Paul más un Wah seguro llevaría el nombre de Saul Hudson.

One Last Thrill es la siguiente y es una patada en la cara. La voz de Kennedy suena como los Sex Pistols en su apogeo y Slash solea como si fuera un veinteañero.

La placa coquetea con el pop, con el glam rock, con el funk y con el punk, pero no se casa con nadie.

El desconocido Myles Kennedy es tremendo. Quizá lo mejor del disco. Es afinado como pocos hoy en día y tiene una tesitura notable. Cuando canta abajo es conmovedor y nos recuerda la época del grunge; cuando mete el falsete parece la voz de una mujer enrabiada y recuerda lo mejor del glam rock.

El momento más inspirado ocurre en el minuto 38. Ahí se manda tres cortes que suenan a clásico. Bad Rain es suave y ruda a la vez; Hard and Fast es un tren descarrilado y Far and Away es la típica balada pero tocada por tipos que saben.

Aun cuando la placa consta de temas cañeros sin duda no es el mejor disco de Slash. Lamentablemente los solos de guitarra no son de lo mejor que al guitarrista le he oído. En oportunidades se oye un Slash poco inspirado, repetitivo y sin ideas.

Además abusa del wah wah y la mezcla de estilos es algo desconcertante.

 Pero hey muchachos, estamos en el año 2012, no tenemos la MTV y lo que más suena en la radio no es precisamente rock and roll, por lo que discos como este son bienvenidos y agradecidos sin lugar a dudas.

Estados Unidos o Inglaterra

¿Sex Pistols o Ramones? ¿Ozzy o Alice Cooper? ¿Motorhead o Metallica?

Si bien es cierto no hay para qué poner a competir en materia artística, siempre es bonita la interrogante ¿Quiénes han brindado a los mejores músicos, los gringos o los ingleses?

En Estados Unidos en los 50 comenzó una reinvención de la música de los esclavos negros, que terminó evolucionando en la estrambótica guitarra de Chuck Berry o en el que algunos llaman el rey del rock, Elvis.

El blues americano tuvo diversas evoluciones respetando el eje guitarrero del estilo.

La siempre grandilocuente tierra del Tío Sam llevó a centrar las miradas en Norteamérica entre los 50 y los 60 desconociendo lo que pasaba en tierras foráneas.

Pero en Inglaterra se cocinaba algo bueno., bandas como Cream re-reinventaban el rock blues masticando virtuosismo y actitud en el mismo bocado.

The Who, Rolling Stone, The Kinks, The Animals, entre muchas otras, recogían lo mejor de lo visto hasta ese momento y le entregaban una imagen, una actitud, un concepto; una sustancia distinta y fresca.

A comienzos de los 70, Led Zeppelin lleva el rock and roll a otra dimensión siendo influencia de centenares de bandas tanto inglesas como americanas. Ahí comienza la fiesta. Si fuera una pelea de box, Inglaterra le asesta un derechazo en la quijada a EEUU ganando por KO. Hasta ese momento el rock gringo podríamos decir que era más ingenuo, Más puro, más rural. Por lo que Inglaterra le dice a Norteamérica: “mira niño, esto es rock and roll”.

A eso súmale que a mediados de los 70 Inglaterra produjo una  cantidad notable de bandas heavy metal, movimiento el cual llegó a llamarse New wave Heavy Metal, el que dejó grandes bandas como: Iron Maiden, Judas Priest, Motorhead, Saxon, Venom entre otras.

Pero no todo lo bueno salió en Inglaterra. USA dio movimientos musicales notables como el Glam metal, el Grunge o incluso el agro metal.

Paralelo al Glam y al Grunge, los Guns and Roses tomaban el legado de los Zeppelin y le partían la cara al mundo.

Antes de eso Van Halen transformó su guitarra en un sable y decapitó a todos quienes creían tocar bien la guitarra.

Faith no More hizo lo que quiso y le resultó; Metallica  y Megadeath se apoderaron del trash y los Red Hot Chilli Peppers se posicionaron a punta de Groove y riffs. 

Ambas naciones han sabido mirarse entre ellas y devorar lo mejor del otro para la evolución constante que necesariamente debe tener todo arte. Mientras unos sacaban bandas o estilos, los otros miraban y tomaban apuntes. Y así sucesivamente.

El nuevo disco de Rush

Venía de una tertulia nocturna y me dio por prender la radio para alivianar el viaje. De pronto sentí que la bomba atómica me estalló en la cara. Al día siguiente me desperté creyendo que estaba soñando o quizá algún alucinógeno se había apoderado de mí en algún momento de la noche. Decidí buscar en la web si la experiencia era real y…kaboom, era totalmente cierto: Rush soltaba su nuevo single Headlong Flight.
Si lo escuchas sin saber quiénes son, perfectamente puedes creer que se trata de un grupo de novatos adolescentes llenos de energía queriendo conquistar el mundo del rock and roll y no de un trío formado a finales de los sesenta en las gélidas tierras de Canadá.
El disco abre con un riff algo sinfonizado que va creciendo hasta que entra la inconfundible voz de Geddy Lee. Se trata de Caravan, el primer tema del disco.
Clockwork angels comienza con unos coros parecidos a los de una iglesia europea de mediados del siglo XIII, para dar paso a unas guitarras que no pueden estar mejor ejecutadas, con un sustain que ya quisiera tener cualquiera en las 6 cuerdas.
Vale decir que se trata de un disco conceptual, o sea es una novela donde los capítulos son los tracks. Donde la temática es sobre un joven que va en busca de sus sueños pasando por místicos paraísos para terminar enfrentándose a sí mismo.
El disco avanza y los cortes, el virtuosismo y los cambios de métrica están a la orden del día. Pero de alguna u otra manera estos mismos ingredientes caen en un rutinario ejercicio muy típico del rock progresivo, en el cual muchas veces uno se pregunta si con tal o cual tema quieren volarte la cabeza o auto demostrarse que son la hostia.
Halo Effect es el sexto tema y comienza con una notable aura acústica donde la melodía vocal tiene aires noventeros que conmueven. En tres minutos y fracción se muestra una de las partes más inspiradas del disco.
La placa cierra con The Garden, la cual tiene unas disonancias no muy fáciles de cuajar pero que a Rush le suenan como caminar en una pradera en un día soleado.
El disco tiene altos y bajos. Si lo tuyo es el rock progresivo ésta es una pieza que debe estar en tu discoteca. De no ser así llegará el momento en el que pondrás pause a tu tocadiscos y seguirás con lo tuyo.

Lo que sí es clarísimo es que en los 5 años que Rush tardó en lanzar un nuevo disco no se dedicó a ver partidos de hockey canadiense ni a sumergirse en alguna adicción típica de las estrellas del rock. Se nota el trabajo meticuloso de cada detalle, de cada parte, de cada corchea que lleva a planterarte ¡wow estos tíos no envejecen!

¿Qué pasó con el Agro metal?

A finales de los 90 un estilo musical que mezclaba el canto rapeado con los gritos guturales se adueñaba de las radioemisoras a nivel mundial. Bandas como Korn, Deftones, Limp Bizkit, entre otras, aprovecharon los últimos días fértiles de la MTV para posicionar sus videos que, en su mayoría, trataban de temáticas depresivas y oscuras.
Con la llegada del nuevo milenio las bandas Nu Metal se multiplicaron notablemente gozando de los últimos años de ventas masivas de discos. Incluso los viejos Metallica decidieron probar suerte con el estilo lanzado Saint Anger, uno de sus discos más cuestionados. Otros que se metieron en el mismo bosque fueron Slayer con el Diabolus in Musica.
Pero si el género musical gozaba de tan buena salud, ¿qué paso entonces?
Las bandas íconos del agro tomaron rumbos muy diversos y muchas veces incomprendidos. Korn, quien vino a ser los Nirvana del Grunge o los Sex Pistols del Punk, sacó discos notables como el Life is Peachy, el Korn o el Issues, pero luego cambiaron a parte de la banda original y comenzaron a sacar discos que más tenían que ver con el gusto musical del vocalista que con lo que los fans esperaban. Similar suerte corrió Deftones, que si bien no perdió tanto el rumbo dejaron de ser lo que fueron en el Adrenaline o en el Around the fur.

Incubus (si es que alguna vez fue considerado parte del movimiento) vio un nicho en el pop rock, haciendo una cantidad innumerable de baladas melosas que perfectamente pueden ser la banda sonora de alguna película torpe de amor adolescente. Limp Bizkit siempre fue cuestionado por los más metaleros más talibanes y su gran exposición mediática más se relaciona con lo hiperventilado de su vocalista.
Así suma y sigue. El agro metal, o Nu Metal o, rap metal (o como usted quiera bautizarlo) tuvo la buena fortuna de nacer aún cuando la MTV tenía algo de música en su programación por lo que sus videos eran pan de cada día en los 10 más votados. Además con la muerte del grunge era necesario encontrar nuevos líderes musicales, por lo que emergieron en el momento indicado.
Quienes aún corren con la bandera de lucha son Slipknot, los que el 2008 sacaron All Hope Is Gone, golpeando en la cara a todos quienes los daban por muertos y logrando disco de platino con más de un millón de discos vendidos sólo en Estados Unidos, aunque claro, suenan más a Slayer o a Morbid Angel que al rap metal que todos conocimos.
En definitiva, este estilo, el cual venía derivado de uno mayor como es el metal (o de dos mayores si usted quiere ser más estricto; rap + metal), tuvo un bonito comienzo, un apogeo recordado, pero una caída estrepitosa en donde las reinvenciones musicales quedaron muy al debe y en donde es necesario preguntarse ¿qué pasó con el agro metal?